martes, 23 de septiembre de 2014

30. Mastodon - Once More 'Round The Sun



¿Cuantos años debes cumplir antes de empezar a quejarte de que ya no hay bandas como las de antes?, en mi caso han pasado cuatro décadas y en cada año he creído encontrar un nuevo clásico. 

La verdad es que me he ido acostumbrando a ver amigos de aventuras sónicas caer en la tentación de estacionarse en sus clásicos, la sorpresa es cuando estos amigos comienzan a ser mucho menores a ti.

Hoy me tope con una discusión en una de mis redes sociales sobre como ya no había bandas que pudieran reventar cualquier bocina con disparos de guitarra, con la precisión de un bajo y batería contundentes, extrañaban a RATM, sufrían por la orfandad de SOAD, y si, las dos me parecen bandas de una intensidad memorables, pero no veo el fin de una época con su inactividad. 

Los guitarrazos intensos ahí siguen, basta darse la vuelta por el disco más reciente de Mastodon para comprobar que solo hay que seguir buscando, buscando hasta encontrar, se que la banda de Atlanta no es la más potente de la historia, pero ahí hay intensidad para entretener a cualquiera.


martes, 11 de marzo de 2014

29. Blood Red Shoes - Blood Red Shoes



Una maquina puede tomar las decisiones por ti, le dejas hacer no solo el trabajo sino ejecutar algunas opciones estéticas. Oprime un botón y puedes reproducir cualquier sonido, dale la orden y un programa puede encargarse de afinar la voz más esperpéntica. Con solo deslizar una palanca puedes nivelar el volumen de cada instrumento.

La música ha dado un giro, los genios creativos no están en escenarios consagrados, ahora trabajan en una pequeña habitación perdida en medio de una ciudad nunca antes imaginada. Están creando música que habla del futuro y que al llegar a tu oído suena a pasado.

En esa habitación llena de sintetizadores se enfrascan en una demencial carrera para ver quien procesa mejor el sonido, tiene el espíritu de esos guitarristas de heavy metal que compiten por ver quien mueve más rápido los dedos sin importar que esa habilidad solo puede transmitir lo grande que es su ego.

La industria y la tecnología se han impuesto a los músicos, o al menos lo intentan, tienen la motivación que dan los dólares, la ambición es más constante que la creatividad. Estamos a un paso de que los discos vengan firmados por los “productores” antes que por los intérpretes o autores de una canción.

¿Cómo diablos llegó un ingeniero, un experto en máquinas a colocarse en el lugar del creador? La biblia del productor nos quiere hacer creer que detrás de cada acorde está la magia de un ingeniero que es quien le da el sonido que debemos escuchar.

Por eso se agradecen los proyectos que van a lo básico, una guitarra tocada con precisa furia, una batería a punto de reventar por los golpes que reciben de unas contundentes baquetas, voces con la fuerza necesaria para transmitir más allá de una correcta entonación.


Proyectos de este tipo hay varios, afortunadamente en este año llega el nuevo disco de Red Blood Shoes, uno de mis grupos favoritos con ese formato, lo hacen con un disco compuesto, tocado, grabado, producido y distribuido por ellos mismos. De inmediato denle una escucha a “An Animal”, hasta el momento mi rola favorita del disco. 


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jueves, 20 de febrero de 2014

28. The Casket Girls - True Love Kills the Fairy Tale.


Segundo disco de esta banda compuesta por las hermanas Greene quienes son el cerebro creativo en cuanto a las letras y que es complementada por Ryan Graveface uno de esos genios que tocan en todos lados, que tienen su propio sello discográfico y que siempre a la búsqueda de nuevos espacios de creación y que en este proyecto se encarga de la creación de todos la música.

El caso de esta banda es producto de esa apuesta siempre al frente de Graveface, ya que le tocó escuchar cantar a las hermanas Elsa y Phaendra en la calle a las cuales de inmediato les propuso crear una banda.

Las composiciones de este disco cuentan con una sonido perfectamente construido para el uso de las voces, que se complementan entre ellas de manera magistral, musicalmente predominan una atmósferas que podría remitirnos a los sueños, reforzadas por chispazos de melodías que le dan el punto accesible a cada una de las piezas.

Si bien está muy lejos de ser un disco experimental, si tiene esa tendencia a estar jugando con sintetizadores que permiten crear sonidos nuevos o al menos mezclas novedosas de sonidos ya conocidos.

Uno de los elementos que más disfruto de este disco es que logra amalgamar de manera perfecta la dualidad de genero que tienen sus componentes, ya que todas la letras y voces son creadas por las hermanas y son integradas a los sonidos que construye el único hombre de la banda, pero en ningún momento nos encontramos con esa perniciosa apuesta que realizan algunas bandas de hacer música femenina ni mucho menos con la penosa expresión de música masculina, aquí solo hay música creada por músicos y lista para que la disfruten nuestros sentidos. 

Las diez canciones del disco tienen un ritmo reposado, etéreo, pero que a pesar de esto no cansa, logran mantener la unidad como obra completa, permitiendo una escucha agradable para una tarde sin mayor prisa que la de escuchar buena música. 

Este disco fue editado en este 2014 por Graveface Records, mis rolas favoritas son: Same side y Chemical Dizzy, la cual cuenta con un muy bien vídeo que aquí les dejo.



jueves, 6 de febrero de 2014

27. Paul Weller - Sonik Kicks


Cuando hablamos de la producción de algún músico  uno de los elementos que generalmente se utilizan son las referencias a otras bandas o a discos anteriores del mismo artista, lo cual permite plantear un contexto para quienes nos leen, sin embargo esa herramienta acaba convirtiéndose de manera recurrente en la salida fácil ante el reto de comunicar de manera original, con conceptos claros lo que el músico hace con su obra.

En el caso de este disco lo más sencillo sería referirse a la carrera con Paul Weller con The Jam y The Style Council, además de juzgarlo a la luz de las dos anteriores producciones de este veterano músico con las que está claramente emparentada en la búsqueda estética.

Sin embargo eso restaría objetividad ante uno de los mejores discos de los últimos años, en el cual un músico con décadas de gran trayectoria demuestra que la apuesta del artista debe ser la búsqueda, no sentirse cómodo en un terreno que ya domine, sino siempre dar un paso adelante en la exploración de nuevas experiencias creativas.

Weller es un navegante recurrente en la huida al frente, en el caso de Sonik Kicks demuestra una gran capacidad para mantener algunas reminiscencias psicodélicas enmarcadas por krautrock, destellos pop, algunos espacios acústicos y elementos del electrónica y soul, sumado todo para dar un disco que demuestra la búsqueda de un artista que confía en emprender caminatas por terrenos desconocidos gracias a su sapiencia.

Aquí hay rock adulto, en el mejor sentido del adjetivo, con una inquietud por experimentar, pero con la tranquilidad necesaria para no ir más allá de lo auditivamente necesario, no hay desplantes para demostrar que se es muy original, por el contrario, es una búsqueda personal que nos comparte no para impresionarnos sino para hacernos cómplices de su búsqueda.

Sonic Kicks me parece un disco extraordinario, poderoso, íntimo pero abierto, de gran personalidad. Fue editado en 2012 por Island y producido por Simon Dine.

Les dejo la primer rola del disco Green, la cual les recomiendo escuchar con unos buenos audífonos para apreciar los juegos sonoros de producción que tiene. 


miércoles, 5 de febrero de 2014

26. She Wants Revenge - She Wants Revenge


Los gustos son en mucho determinados por toda la carga cultural que hemos adquirido a los largo de nuestra vida, aunque es evidente que durante la adolescencia estamos mucho más dispuestos a la búsqueda y experimentación en todos los sentidos, por lo que los estímulos recibidos durante ese tiempo son una de las fuertes bases para determinar las futuras preferencias. 

En mi historia, una de las bandas que estuvo presente de manera constante en mis adolescentes oídos fue The Cure, permitiendome el gusto por ciertas bandas que marcan una presencia un tanto obscura sumada a una gran habilidad para construir canciones elegantes y con la capacidad de reconocerse como productos pop, lejos de los clavados desvaríos de la escena más gótica. 

Si bien mis gustos más cotidianos no están relacionados con esta influencia, tengo que admitir que algunas bandas que logran ese sonido me atrapan de inmediato, tal como lo hace She Wants Revenge, ya que en mucho se apropia de los sonidos de bandas como Bauhaus, Joy Division o la banda de Robert Smith.

El sonido ya clásico de esas bandas es retomado por estos californianos los cuales le dotan de actualidad utilizando algunos sintetizadores de manera discreta pero creando una atmósfera precisa para que la guitarra lleve la carga melódica y la grave voz de Justin Warfield les cargue de emotividad a través de una capacidad de trasmitir una obscura elegancia.

Este disco es del 2006, fue editado por Interscope y producido por ellos mismos.

En cuanto a la mejor rola, me quedo con "Tear you apart" de muy obvia influencia de Joy División, la cual cuenta con un vídeo dirigido por Joaquin Phoenix. 


jueves, 30 de enero de 2014

25. Dirty Pretty Things - Waterloo To Anywhere


Voy a ser directo, este disco suena justo como si mezclaras a los Smiths con the Clash a ritmo de Garage. Escribiré algunas cosas más respecto a este disco pero con la anterior descripción tienes suficientes elementos para entender como suena el debut de Dirty Pretty Things.

Esta banda es la heredera directa del sonido que construyeron los fugaces e intensos Libertines, si bien el rockstar de la banda era Pete Doherty (por cierto no dejen de escuchar la canción "Pete Doherty huele a caca" de Yokozuna), la otra parte creativa de esa banda Carl Barat logra reunir una banda que con este disco da los últimos destellos libertinos. 

Aunque es necesario aclarar que este disco tiene su propia identidad que se logra a través de un sonido mucho más cuidado que el trabajo de los Libertines, lo que le quita un poco de autenticidad, de inmediatez,  pero logra mostrarnos a una banda con mayor madurez, capaz de darnos algunas rolas memorables como la magnifica "Bang, Bang you´re dead".

Este disco fue editado en 2006 por Interscope y fue parte fundamental de la oleada de banda de sonido garage (una más), sin embargo aquí ese estilo es revestido de una capacidad melódica muy inglesa, aderezando algunas canciones con coros de gran destreza pop para luego pasar a alguna canción donde dan rienda suelta a la vena de influencia punketera.

A pesar de tener unos cuantos años este disco tiene un sonido que no pierde frescura lo que me hace pensar en que podría haber llegado a ser un disco legendario si hubieran contando con la producción de Mick Jones, quien mucho tuvo que ver con el mejor sonido de The Libertines.

Se que he abundando en referencias a los libertinos, pero en verdad es casi imposible sacar este disco del universo de esa banda. 

Por mucho tiempo he considerado a Bang, bang, you´re dead como la mejor canción del disco, pero al estar escuchandolo una vez más me ha convencido de ultimo momento la genial guitarra de Doctors & dealers. 



martes, 28 de enero de 2014

24. Little Jesus - Norte


Este es uno de esos discos que llegas a detestar antes de la primer escucha, claro que sin responsabilidad de la banda o de sus canciones, lo haces porque diversos sitios web les han dedicado demasiados y desmedidos elogios, incluso señalándolos entre los mejores discos del mundo en el último año.

Si bien es cierto que en esto de la música existen grandes revelaciones, es también cierto que estas no ocurren tan a menudo, lamentablemente la crítica musical en nuestro país ha venido repitiendo el mismo proceder de NME la cual encuentra a la mejor banda de la historia del rock cada 3 meses.

En el caso de Little Jesus me parece que todos esos elogios solo son un estorbo para poder escucharlos, va uno cargado de tantos adjetivos positivos que al abordarlos por primera vez se instala uno en una actitud hipercrítica, la cual obviamente encuentra más limitaciones que aciertos, aunque hay que ser justos y admitir que las limitaciones provienen más de quienes los promueven que de los músicos.

Al disco tuve que darle varias escuchas para poder dejar atrás tanto halago y empezar a disfrutar un conjunto de rolas que en verdad son sobresalientes, construidas sobre ritmos de influencia africana al más puro estilo de Vampire Weekend, acompañadas de guitarras que se mueven melódicamente bajo la misma influencia y rematadas con una voz justa para las canciones aunque muy similar a la horneada de bandas hipster que rondan por todo el mundo.

Little Jesus es una banda con un buen sonido, que tiene un disco bastante equilibrado, con un sonido demasiado apegado a las tendencias actuales, pero que está desarrollado con gran certeza de lo que buscan, lo peor que le puede pasar a esta banda es lo que le hacen sus apologistas, si dejan de lado tanto hype podrán seguir haciendo grandes canciones y podremos contar con un proyecto con gran presente y mucho mejor futuro.

Este es un disco que hay que escuchar, que se disfruta completo, que se movió mucho en todo el 2013 y que seguirá rondando la escena indie, aquí no  hay ningún mesías, solo está un pequeño Jesús que trae a cuestas unas muy buenas rolas.

Mi canción favorita es Azul por su constante subida sonora. 




lunes, 27 de enero de 2014

23. Tortoise - Beacons of Ancestorship


Hace unos días leía en la revista Gatopardo un reportaje sobre los Babasónicos, tengo que admitir que es una banda que está lejos de gustarme, no es que los considere malos, lo que me pasa al escuchar sus discos es que simplemente no me emocionan, pero lo que más me llamó la atención fue que arrancaba diciendo que esa banda tenía 21 años a la vanguardia.

Lo primero que pensé es que de tanto usarse la palabra vanguardia ha perdido su sentido original, ahora se utiliza como un adjetivo para hablar bien de una banda sin dimensionar lo que podría representar el nombrarla bajo esa categoría.

No soy un experto en vanguardias musicales, pero si de rock se trata, una de las bandas que ha buscado expandir los espacios creativos del genero es Tortoise, un grupo constituido en Chicago nutrido por la experiencia de sus integrantes en bandas de indies y punk y que han buscado en cada uno de sus discos  explorar nuevas estructuras sonoras.

En los discos de Tortoise no solo nos encontramos con grandes instrumentalistas que dominan de gran forma los cánones del rock, sino que ese talento lo utilizan para buscar nuevas formas músicales, dejando de lado las estructuras tradicionales del formato de las canciones, experimentando con nuevas formas.

Esta búsqueda creativa ha sido desarrollada a lo largo de una serie de discos que pueden agruparse tanto en el Post-Rock como en el Math-Rock, ya que rompen con el formato tradicional trabajando con estructuras rítmicas novedosas.

Ahora si que este disco es indicado para quienes gusten de la experimentación, no encontraran aquí canciones tradicionales, incluso resulta difícil darle ese nombre a algunos cortes, ya que parecen más sesiones de improvisación,  ahora si que es recomendable solo para los dispuestos a las búsquedas sonoras, para los interesados en lo vanguardista, al menos en lo que a rock se refiere. 

El disco fue editado en 2009 por Thrill Jockey Records.

Mi track favorito es Northern Something. 


viernes, 24 de enero de 2014

22. El mató a un policía motorizado - La Dinastía Scorpio


Más de una sorpresa te puedes llevar con esta banda, en primer lugar te topas con un nombre que no da muchas pistas sobre su origen ni sobre su sonido, cuando ya estas en la escucha de sus canciones llegas a experimentar una confusión, ya que su música los podría delatar como una banda española influenciada por los Planetas, solo que el acento de la voz te dirige hacia el sur.

Estos argentinos despistan un poco pero conforme los escuchas vas identificando una banda con un sonido contundente, producto de un pop noise bastante efectivo, el cual sin muchos aspavientos concreta una precisión atmosférica ideal para destilar un poco de añoranza auditiva pero con una búsqueda lanzada al frente, retomando trucos de bandas ya muy conocidas pero construyendo un sonido autentico. 

Este tipo de bandas le da un respiro al rock hecho en argentina, al menos al que nos llega a México de manera constante a la cartelera de conciertos, ya que escapa al estilo que ha ido transformándose en clichés. Si bien no son un grupo vanguardista, si retoman propuestas estéticas no tan dominantes en la escena. 

En este disco nos vamos a encontrar con guitarras distorsionadas al estilo noise, con un volumen un tanto bajo que le dan mas sentido de atmósfera que de liderazgo en la melodía, sustentadas en una base rítmica que no por discreta deja de ser solida. Como ya lo había mencionado la referencia básica es con el sonido de los planetas, pero en ocasiones siento una similitud con el sonido de Palma Violets, solo que tocado con menos fuerza, un poco más pop, pero transmitiendo sensaciones similares.

El disco fue editado en 2012, producido por Eduardo Bergallo. 

Les recomiendo darle una buena escucha al track Nuevos discos que va en lo mejor de su sonido noise.



jueves, 23 de enero de 2014

21. Reverend Horton Heat - Rev


El Reverendo esta oficiando de nuevo y lo hace a lo grande, a toda velocidad montando en un hot road, acelerando a fondo, con el estruendo del motor taladrando los oídos de quien se acerca a escuchar su predica, incrustando su homilía en lo más profundo de tu psique, haciendo que dejes de pensar y comiences a brincar.

Este es un disco solo para iniciados en la religión de psychobilly, se que a muchos puede sonarles muy básico, pero justo eso es lo que le da un gran valor a este disco ya que la banda de Jim Heath se ha mantenido a lo largo de su carrera apegado a los sonidos primarios del rock, combinados con gran maestría, visitando desde el country, el punk, el swing y todo lo que pueda caber en la mente de este guitarrista texano.

Son ya más de 25 años los que esta banda tiene de grabar grandes discos, teniendo sus altibajos pero siempre entregando grandes canciones; por fortuna con este más reciente disco nos encontramos con la banda bien aceitada y marchando como un gran clásico, dejando de lado el apego a su sonido más country que habían cultivado en sus últimos discos, ahora retoman su sonido más rockero y acelerado.

La temática y estética visual del disco es ya conocida, pero los mejores aportes están a cargo de una batería que toca mejor que nunca Scott Chirulla, acercándose en la ejecución a la gran forma de tocar la guitarra de Heath, ya que en momentos la percusión no solo sirve como base rítmica de las canciones sino que adquiere un gran protagonismo en el sonido general. 

El disco fue editado por Victory Records, salió a la venta este 21 de enero de 2014 y fue producido por la propia banda.

Hay varias canciones que podrían ser la mejor, pero por lo pronto me quedo con "Let me teach you how to eat" que es muy buena, pero que he elegido por el vídeo que la acompaña, el cual esta lleno de pin ups y buen rock and roll.


miércoles, 22 de enero de 2014

20. John Grant - Pale Green Ghosts


Uno de los elementos más gastados y recurridos para descalificar a la "electrónica" es que sus creaciones resultan impersonales, que adquieren un sentido robótico, lo cual puede ser cierto pero solo para los músicos incapaces de transmitir emociones, que los hay por montones en todos los géneros. 

Podríamos darle una buena repasada a discos de dance que están cargados de emotividad, pero haré un poco de trampa y mejor saco un as bajo la manga, el ejemplo más evidente de un trabajo personal, que refleja todas las sensaciones, incertidumbres, problemas y actitud vital de un autor.

En este disco John Grant continúa volcando todos los sucesos internos de su vida (los conflictos por su preferencia sexual, su condición como seropositivo, sus excesos con el alcohol y las drogas), construyendo un entramado música personal, intenso, pero sobre todo cargado de las sensaciones que ha vivido y que transmite con gran eficacia a su música.

El estilo intimo de Grant ya se había manifestado desde sus trabajos con The Czars pero se consolidó con su primer disco en solitario "Queen of Denmark" el cual estaba trabajado con un estilo más folk con grandes arreglos, los cuales ahora adquieren un gran giro al utilizar el genio creativo de Biggi Veira de los maravillosos Gus Gus logrando darle un espacio más amplio a sus creaciones musicales.

Esa combinación creativa, utilizando la maestría melódica y atmosférica de los sintetizadores de Veira permiten a Grant volcar todo su universo con la seguridad de que el acompañamiento musical mantendrá el mismo sentimiento.

Este es un gran disco que demuestra la capacidad expresiva de lo sintetizadores siempre que acompañen a un artista capaz de transmitir. 

El disco fue editado en 2013 por Bella Union y fue producido por el propio Grant.  

La mejor canción es la que le da nombre al disco.


martes, 21 de enero de 2014

19. Dinosaur Jr - Farm


El regreso de una banda a su formación original, después de que sus integrantes han emprendido proyectos más que exitosos, incluso algunos de ellos manteniendo el nombre del grupo resulta ser una puesta peligrosa, ya que las expectativas suelen acumularse y en muchas ocasiones quedan a deber ya que los intereses creativos se diversifican alejándolos de su sonido primario el cual la mayoría de seguidores espera.

Este disco es uno de los casos donde se confirma que la apuesta vale la pena, ya que con la reunión de Mascis, Barlow y Murph se reencuentra una potencia creadora que retoma el sonido original pero le suma un nuevo empuje creativo el cual  lleva a nuevos terrenos sónicos a la banda.

Farm es un disco que tiene lo mejor de Dinosaur Jr, las guitarras tienen ese sonido intimo, con esas marcas intensas de añoranza, pero eso si, tocadas con gran fuerza y con el amplificador con todos los niveles al máximo, lo que les permite sonar cercanos y al mismo tiempo completamente intensos. 

De las cosas que más me gustan de esta banda es que logran incorporar esa gran capacidad melódica que tienen el pop combinado con unas guitarras a las cuales se les distorsiona con toda la ganancia posible a fin de hacerlas sonar crudas, sucias, que pareciera que fueran a reventar en cada solo.  

En este disco no solo atestiguamos el sonido de una banda que compone el selecto grupo que le dio origen al sonido y presencia del rock alternativo e indie, sino que se da una muestra del mejor rock tocado con fuerza, sin miedo a la construcción de melodías pegadizas, es como encontrarte con un rock & roll tocado con guitarras fundidas al estilo de Neil Young. 

El disco se edito en 2009 por Jagjaguwar y fue producido por Mascis,

Mi canción favorita es I Don´t wanna go there, la cual se avienta más de ocho minutos del mejor sonido Dinosauresco. 



lunes, 20 de enero de 2014

18. Dj Shadow - Endtroducing


Tengo que advertírtelo, si no tienes este disco estas cometiendo un gran, gran error, deja de leer, ve a comprarlo, descárgalo, escúchalo en la red, no te quedes leyendo esto, de verdad, después de hacerlo regresa y compartamos opiniones.

Bien, ahora si, tengo que decirte que este primer disco de Dj Shadow es una joya de la música popular del siglo XX, lleno de imaginación y creatividad, que demuestra que el verdadero artista utilizará cualquier técnica para producir algo extraordinario. 

Dj Sahdow es Josh Davis, un gran músico californiano que dio inicio a su carrera dentro del hip hop experimental, que en este disco lleva a su máxima expresión el uso de samplers, ya que prácticamente todo el disco esta creado en base a sonidos preexistentes, retomados de canciones de jazz, soul, rock, electrónica y cuantos géneros puedas imaginarte. 

Con este disco se da el primer gran golpe de un fenómeno que se ha vuelto ya común, el de los productores virtuosos que trabajan encerrados en su cuarto llevando a nuevos terrenos  a la creación musical.

Este disco es aun más valioso porque le da sentido a la posición un tanto incomprendida, para bien y para mal de los dj´s, descalificados en ocasiones por los músicos tradicionales e incluso por los productores de los géneros "electrónicos", pero aquí está una muestra del poder creativo de quien domina las tornamesas, las mezclas, los cortes, la capacidad de crear algo totalmente nuevo a partir del trabajo de otros es un verdadero arte, ejecutado con gran maestría en esta producción.

A partir de este genial trabajo la carrera de Dj Shadow ha dado grandes muestras de talento, baste recordar sus participaciones con el super grupo UNKLE, dándole a todo lo que toca el sonido profundo e intenso que le caracteriza. 

El disco fue editado por Mo Wax en 1996 y a pesar de ello no se le nota el paso del tiempo, fue producido por el mismo Dj Shadow. 

Todos los cortes del disco tiene una gran fuerza, pero mi favorito por la maravillosa forma de samplear unas percusiones con tanta fuerza es la de Building steam with a grain of salt. 


viernes, 17 de enero de 2014

17. Cat Power - The Greatest



"Learning more and more about less and less and less"
Cat Power

Gran, gran disco. Chan Marshall da lecciones de rock, reúne una magnifica colección de canciones llenas de emotividad, tocadas con una sensibilidad muy especial, que transmite no solo lo que las letras dicen, sino que con cada acorde dejan ver el mundo interior de esta gran cantante, mostrándonos lo profundo e intenso que es su universo personal.

Para mi gusto este es el disco mas logrado de Cat Power porque cada canción fue grabada con la tranquilidad que da la seguridad de dominar el terreno que se pisa, lo que permite dotar a cada corte de una intensidad que no esta basada en ninguna estridencia, lo que permite decubrir en cada canción una gran marejada de vida que se desborda a través de los amplificadores para llegar a tocar a cada uno de los oyentes.

Un gran acierto en The Greatest es la banda con la cual se grabó el disco, todos músicos veteranos de la escena soul y blues, los cuales logran darle un acompañamiento perfecto, que sabe encajar cada sonido en el lugar exacto, que le otorga una cadencia adecuada para que cada canción corra a su ritmo, dejando que Masharll pueda concentrarse en hacer sonar su voz, en transmitir toda la fuerza de su trabajo.

Si bien la búsqueda sonora de Cat Power a buscado otros terrenos en sus discos posteriores, manteniendo un buen nivel, no ha vuelto a a llegar a la altura que logro descubrir en este disco, a mi parecer si alguien quiere conocer el trabajo de esta cantante debe dedicarle una buena escucha a este disco, ya que tiene el extra de que con cada vez que se visita se le puede descubrir mayores atributos.

Aquí nos vamos a encontrar con una colección de canciones que tienen claras influencias de country, soul y un tanto de blues, pero que en todo momento suenan a un rock intimo e intenso.

El disco fue editado en 2006 por Matador records, en México fue distribuido por Noiselab y fue grabado y mezclado por Stuart Sikes.

Mi canción favorita es Love & comunicatión la cual tiene una interpretación brutalmente hermosa por parte de Marshall además de una muy poderosa guitarra.


jueves, 16 de enero de 2014

16. Ty Segall Band - Slaughterhouse


En los últimos años Ty Segall se ha convertido en uno de los músicos a los cuales no puedes perderles la vista, saca discos en solitario, con un montón de bandas, abordando incontables estilos, teniendo como constate la gran calidad en todas sus producciones.

En sus discos puedes encontrarte con Garage, Metal, Sicodelia, Noise, Lo-fi, incluso hasta algo parecido al Folk, todo esto llevado más allá de los cánones tradicionales, utilizando los elementos de estos para construir una visión personal donde no se contenta con utilizar lo ya hecho, sino que siempre busca darle un giro novedoso a sonidos que ya conocemos pero reinventandolos.

Segall ha grabado en solitario, con bandas como Epsilons, Party Fowl, Sic Alps, The Perverts, White Fence y obviamente con Ty Segall Band, ademas de multiples proyectos de colaboración, y eso que aún no rebasa lo 30 años.

Pero lo más importante no es solo la cantidad de grabaciones, sino el aporte musical que hace en cada una de ellas. En el caso concreto de este disco no encontramos con un conjunto de rolas que retoman el sonido Fuzz tan característico del Garage, utilizando esas guitarras con la suciedad y consistencia del punk pero integrando todos los elementos de manera que las canciones no se queden en ese terreno sino que se impulsan a espacio más amplios, teniendo ciertas influencias del metal se construyen canciones un tanto más épicas.

Encontrar las palabras precisas para describir el sonido de este disco es algo bastante complicado porque al romper los limites de los géneros que ya conocemos lo lleva a nuevos territorios que son un verdadero disfrute auditivo.

Este es un disco que puede gustarle a cualquiera, pero que los amantes de la distorsión guitarrera van a disfrutar al máximo, y no hablo de esas distorsión mal entendida por los grupos de metal, sino de aquella que logra el sonido de guitarras que pueden reventar cualquier amplificador para acabar sonando mejor.

Con en un verdadero matadero, aquí la estética es salvaje, nada impostado, todo autentico y salido de las tripas, con voces rasposas y distorsionadas, aquí vas a encontrar ruido, pero no de ese ruido trabajado después de un reflexión intelectual al estilo Sonic Youth, no, aquí la cosa es más cruda e inmediata, como buen ejemplo de esto es que el disco arranca con la rola Death que inicia con un minuto de distorsión intensa antes de cualquier acorde y cierra con un corte de más de diez minutos llamado Fuzz War, que con su nombre lo explica todo, un tema libre, de improvisación, que rinde tributo al Fuzz más puro, guitarras que suenan como camión de basura, percusiones que avanzan erráticas, estructuras rotas, un verdadero himno al sonido denso.

El disco es del 2012, fue editado por In the Red Records y grabado y mezclado por Chris Woodhouse.

La canción del disco que mas me gusta es Diddy Wah Diddy, que tiene un gran toque bailable al estilo del primer rock & roll pero recargada de una suciedad distorsionada genial.


miércoles, 15 de enero de 2014

15. Them Crooked Vultures - Them Crooked Vultures


Uno de los lugares comunes más desgastados en el rock es el de las super bandas, ya que se le da esa calificación a cualquier proyecto que reúne a algunos músicos destacados, pero la verdad es que no muchas de ellas logran producir discos memorables,  la reunión de varios exponentes con gran talento no garantizan la mejor de las producciones, ya que el tamaño de los egos, las diversas visiones creativas e incluso los intereses financieros llegan a enfrentarse, teniendo como resultado el que no se den con frecuencias canciones memorables, siendo lo más destacado la reunión misma de los músicos.

Con Them Crooked Vultures, pasa todo lo contrario, con un grupo de ensueño se da un disco que cumple con cualquier expectativa que pudiera generarse con respecto a los blasones rockeros de sus integrantes.

Para cualquiera podría resultar casi imposible juntar a integrantes de las legendarias bandas Led Zeppelin y Nirvana con uno de los líderes de las bandas mas destacadas del momento como lo son Queens of the stone age.

Las colaboraciones de Josh Homme con Dave Grohl ya eran habituales al ponerse de nuevo ante la bateria el ex integrante de Nirvana para grabar y realizar giras con QOTSA, pero el incluir a John Paul Jones en la integración de la banda terminó por concretar un proyecto con la capacidad de hacer música con toda la fuerza que pueda contener el rock.

Lo que en este disco encontramos es a tres grandes músicos, sumando sus talentos, haciendo lo que mejor saben hacer, como si fueran tres amigos reunidos en una cochera divirtiéndose con la música, solo que con el colmillo más retorcido que se pueda tener, cargando con toda la experiencia que te da haber tocado en dos de las bandas más importantes de la historia del rock o ser una estelar del momento.

Así que nos topamos con 13 canciones llenas de energía que es perfectamente conducida, dosificada en los momentos precisos para hacerte pasar una gran experiencia al escuchar el disco completo, porque este es uno de esos que no te deja adelantarle a una canción o escucharlo por partes, eso seria un error, te perderías de algo genial si te atreves a hacerlo. 

En el disco hay excelentes cortes, que se ven hechos sin presión, grabados por el gusto a la música misma, nos topamos con la gran forma de tocar la batería de Grohl, que ha resultado multifacético, pero que toca su instrumento original como muy pocos, para mi gusto es uno de los mejores bateristas de rock de todos los tiempos, la sección rítmica queda perfectamente acoplada con la gran forma de tocar el bajo de John Paul Jones, dejando todo para que las guitarras de Homme suenen mejor que nunca.

El disco es de 2009, fue producido por ellos mismos y distribuido por DGC / Interscope.

Mi rola favorita es la que abre el disco: No one loves me & I Neither do I, la cual tiene unas increíbles y aguerridas guitarras, un bajo que no tengo la menor idea de como lo hacen sonar así y una batería tocada con gran maestría y precisión.



martes, 14 de enero de 2014

14. Matt & Kim - Lightning


Tengo que aceptar que cuando estaba descubriendo mis gustos musicales fui presa de algunos estereotipos que la industria le encaja a la música para poder venderla, de repente en el paso de la infancia a la adolescencia me gustaban algunas bandas de heavy metal, con el tiempo me quedo claro que me atraía más la envoltura que se le ponía a la música que las canciones en si mismas.

La idea de que el rock, o todo lo que se agrupa en esa etiqueta tenía una actitud determinada, en donde el empaque acartonado de rebeldía era lo más importante pude irlo dejando en el camino, ahora creo que me gustan las canciones por si mismas, sin importar todo el entorno, bueno, no siempre pero si la mayor parte del tiempo.

El dejar de preocuparme por la actitud me dio la oportunidad de disfrutar de discos como este, en donde el pop se reviste con un poco de velocidad punketera y decorado con los trucos que el dance le ha enseñado al rock, todo para demostrar que en cualquier lado, incluso en bandas que pueden agruparse en el segmento de ligeros o fresas pueden darnos grandes momentos musicales. 

En lo particular he disfrutado mucho de los grupos que han retomado elementos del dance y no me refiero solo a las posibilidades que otorgan los sintetizadores, sino a que han enriquecido a rock con algo que en su origen era un aliado natural: el baile.

Con Matt y Kim el ejemplo es claro, canciones dotadas de un beat intenso y bailador, en ocasiones tocado a una deliciosa gran velocidad, lo cual permite que los sintetizadores construyan melodías para brincar y bailar como loco. No todo sin temas bailadores, tienen también cortes de un pop sencillo, directo y perfecto para manejar en un soleado domingo con las calles sin trafico.

Este disco es el cuarto de la banda, fue editado por Fader Label en 2012 y producido por ellos mismos.

Mi canción favorita es "Overexposed", la cual es la muestra perfecta de ese pop punketero dance, aunque supongo que mucho tiene que ver en esa elección la forma tan maravillosa en que Kim baila con toda la intensidad posible en el vídeo.



lunes, 13 de enero de 2014

13. Sons and Daughters - The Repulsion Box


Una de las cosas más detestables de la industria discográfica es que muchas veces promociona bandas en función de su capacidad para venderlas, en esa dinámica podemos encontrar grandes discos pero lamentablemente la mayoría de las producciones son desechables después de la primer escucha.

Para los verdaderos melómanos el reto consiste en poder encontrar esas joyas perdidas entre tanto disco intrascendente, para lo cual es necesario dedicación, un oído trabajado y por supuesto que como en todo un poco de buena suerte.

En el caso de este disco tengo que aceptar que llego a mi por más suerte que decisión, lo encontré en las rebajas de una de esas grandes tiendas de discos, a un precio que era prácticamente un regalo, pero al final era uno entre tantos más, decidí llevarlo a casa porque su portada me gusto y por ser un disco editado por Domino Records (casa de Arctic Monkeys, Franz Ferdinand, The Kills, etc.), lo cual fue suficiente para darle una oportunidad.

Hasta ese momento nunca había escuchado a "Sons and Daughters", pero al hacerlo, los primeros segundos del disco fueron suficiente para saber que había encontrado una joya en medio del mar de música innecesaria; recuerdo perfectamente la conmoción que me genero escuchar un bombo tocado con toda la potencia posible, que a lo largo de la canción se mantuvo con la base de la misma y prácticamente unica percusión, sin mayor variación, dando una intensidad irrepetible sobre la que las guitarras y las voces clamaban por una medicina que para el escucha era entregada en grandes porciones sónicas.

Después de ese derroche de energía se vienen una serie de canciones que dan un repaso al mejor rockabilly con un aguerrido sentimiento punk, todos esto enmarcado en un estilo post-punk con influencias celtas, pero ojo sin sonar a una de esas espantosamente aburridas bandas "celtas".

En este disco hay suficiente rabia para darle energía al peor de tus días, con un estupendo manejo de las voces femeninas y masculinas utilizadas con gran maestría, ademas de unas percusiones siempre al limite para darle un poderoso sustento a una guitarras rudas pero precisas.

Ya pasado el impacto de la primer escucha me pude enterar que dos de los integrantes procedían de la banda "Arab Strap" lo que le dio sentido a que en un disco debut una banda demostrara esa gran sabiduría para el sonido aguerrido, sin perder esa capacidad para generar canciones que no solo transmiten furia sino que están tan bien construidas que no dejas de tenerlas en la cabeza por mucho tiempo después de escucharlas. 

El disco fue editado en 2005 por Domino Records y producido por Victor Van Vugt.

La mejor canción del disco es Medicine, la que abre el disco, track de gran contundencia, aunque no pueden dejar de darle una buena escuchada a Hunt, la cual arranca con una distorsión de ensueño para luego seguirse con un muy sabroso corte punketero. 



domingo, 12 de enero de 2014

12. Modest Mouse - Good news for people who love bad news


Cada vez que escucho este disco pienso que es mi favorito. Después viene la reflexión y ya no puedo asegurarlo, se agolpan en mi cabeza los sonidos de demasiados discos que merecen esa posición y de plano el "Good news..." deja de estar en mi mente. 

Aun cuando pierda su posición es necesario reconocer que este es un gran disco, que desde el nombre está lleno de aciertos, en el cual contienen un conjunto de grandes canciones, trabajadas con instrumentos que van más allá de los tradicionales del rock, por ejemplo nos encontramos con un melotron, un ukulele o un acordeón. 

Pero no solo la instrumentación es trabajada de manera  soberbia, sino que las letras tienen también una cuidada construcción, logrando en la conjunción piezas de gran manifactura, en las cuales se logran colar las diversas influencias que de gran manera conjunta el líder de la banda Isaac Brock, así nos podemos encontrar con momentos que nos remiten a los Talking Heads, pasando por los Pixies o incluso los Flaming lips, quienes los acompañan en el corte  "The good times are killing me" en los cuales se habla sobre el abuso de las sustancias por parte de Borck

El disco fue editado en 2004 por Epic Records, producido por Dennis Herring quien ha trabajado con The Hives, Elvis Costello, Ra Ra Riot, y algunas otras bandas.

La mejor canción del disco es "Float on" en la cual siento un marcado estilo de cantar a lo Franck Black que junto con unos instrumentos sonando a toda potencia hacen de este un corte imprescindible.


11. The Shins - Oh inverted world.


Este es uno de esos primeros discos que cualquier banda quisiera tener, cargado de un sonido novedosos, con canciones contundentes, que logra mantener un solida unidad estética en todo el disco, bien recibido por la crítica y que logra introducirlos con credenciales positivas en una escena repleta de bandas.

Esta producción logra un sonido indie pop que no tiene miedo en proponer canciones que puedan calificarse de hermosas sin que ello implique una rebuscamiento intelectual o poses de incomprensión.

Los Shins son una banda de Nuevo México que ha crecido sin dar el salto a ser una banda mainstream pero tampoco se han quedado en el submundo de las bandas desconocidas, tiene una buena presencia construido a base de buenos discos  y al final eso es lo único importante.

En las canciones de este disco no hay prisa por decir las cosas, sino que con una aparente sencillez se van sumando sonidos que hacen canciones que en una escucha ligera pudiera parecer demasiados elementales, pero si se les pone atención uno se da cuenta que en esa sencillez se encuentran una gran carga emotiva y canciones de gran factura perfectamente construidas.

De repente en este disco siento una similitud con el trabajo de Belle and Sebastian, aunque con su propio toque el cual se ha mantenido en sus discos posteriores.

El disco es de 2001, fue editado por SubPop y producido por le vocalista de la banda James Mercer.

La mejor canción del disco es "Caring is creepy" con la cual abre el disco, aunque a lo largo del mismo se encuentran otras muy buenas como "Girl Inform me" y "New Slang".



viernes, 10 de enero de 2014

10. Jake Bugg - Shangri La



"This place is not for me
i say it all the time
my friends they just ignore me
tell me never mind
waiting all your life
on a slumville  sunrise"
Jake Bugg -  Slumville sunrise

Esta es una de esas recomendaciones que se me vinieron a la mente desde la primer publicación en el blog, pero la deje pasar porque de repente es un cantante del cual ya se ha hablado por todos lados, un disco que han recomendado escuchar hasta en los medios ajenos a la música, por lo que seguramente la mayoría ya le ha dado una vuelta y por lo tanto resulta un poco innecesario el recomendarlo.

Pero desde muy temprano con varios de mis amigos ha sido tema a platicar y escuchar, por lo que después de escuchar varias de las rolas del disco me resulta inevitable el hablar del segundo disco de Jake Buug, el cual desde la primera vez que lo escuche me emociono tal como lo hacen esos discos que sientes que esperabas sin conocer, que te resultan conocidos a pesar de ser totalmente nuevos, que desde la primer escucha te resultan familiares, te resultan tuyos.

Si bien es cierto que se puede hacer una larga lista de influencias claramente identificables, es necesario también reconocer que todas se suman para lograr un sonido que se siente honesto, que no suena a una suma de plagios, sino al bagaje de un escucha atento a los sonidos que rondan por su realidad. Una de las cosas divertidas de escuchar a Bugg con otras personas es ver como cada uno reconoce alguna influencia que en cuanto la comentan te resulta evidente, puede ser que canta como Lenon, que suena a los Beatles, que se parece a Dylan, que tiene guitarras a lo Cash, que suena muy ingles, que parece country, y así sigue la suma interminable.

El trabajo de Bugg me emociona porque logra que las canciones las puedas disfrutar desde la primer escucha, pero sobre todo porque no pierde fuerza a través de la repetición, ya que con cada vez que la pongo logro encontrar mayores detalles que son sencillos aciertos, pero que son una constante a lo largo de cada canción, lo que las hace unas verdaderas joyas.

En este disco no se trata de encontrar experimentos novedosos, de búsquedas de lo aun no tocado, para nada, aquí lo que hay son canciones bien armadas, que tienen lo que deben tener, con la fuerza pop necesaria para hacerlas pegadizas, pero con la fuerza de reflejar una realidad aún no absorbida por el estrellato, lo que las hace personales y propias no solo del autor sino de cada uno de los escuchas.

Las canciones tienen mucho de emocional pero sin esa urgencia desbocada que puede dar la inexperiencia, en este disco pareciera que Bugg tiene demasiados años haciendo canciones, al final lo que cuenta es que tiene mucha vida en él para poder volcarla en cada canción.

El disco fue editado en 2013 por Mercury Records, y fue producido por Rick Rubin lo que en un primer momento me preocupo por su tendencia a sobreproducir todo lo que toca, pero afortunadamente sale bien librado el disco.

En cuanto a la mejor canción con este disco parece misión imposible, así que les sugiero escuchar todo el disco que arranca con canciones marcadas por la guitarra eléctrica y la potencia de la banda para luego ceder el espacio a las guitarras acústicas y sonidos mas folk, aunque a lo largo del mismo pueden encontrarse canciones con ambas influencias.

Igual no dejen de darle una vuelta al vídeo de Slumville sunrise, el cual marca aun más su condición inglesa al tener unas persecuciones al estilo Benny Hill.