25. Dirty Pretty Things - Waterloo To Anywhere

Voy a ser directo, este disco suena justo como si mezclaras a los Smiths con the Clash a ritmo de Garage. Escribiré algunas cosas más respecto a este disco pero con la anterior descripción tienes suficientes elementos para entender como suena el debut de Dirty Pretty Things.

Esta banda es la heredera directa del sonido que construyeron los fugaces e intensos Libertines, si bien el rockstar de la banda era Pete Doherty (por cierto no dejen de escuchar la canción "Pete Doherty huele a caca" de Yokozuna), la otra parte creativa de esa banda Carl Barat logra reunir una banda que con este disco da los últimos destellos libertinos. 

Aunque es necesario aclarar que este disco tiene su propia identidad que se logra a través de un sonido mucho más cuidado que el trabajo de los Libertines, lo que le quita un poco de autenticidad, de inmediatez,  pero logra mostrarnos a una banda con mayor madurez, capaz de darnos algunas rolas memorables como la magnifica "Bang, Bang you´re dead".

Este disco fue editado en 2006 por Interscope y fue parte fundamental de la oleada de banda de sonido garage (una más), sin embargo aquí ese estilo es revestido de una capacidad melódica muy inglesa, aderezando algunas canciones con coros de gran destreza pop para luego pasar a alguna canción donde dan rienda suelta a la vena de influencia punketera.

A pesar de tener unos cuantos años este disco tiene un sonido que no pierde frescura lo que me hace pensar en que podría haber llegado a ser un disco legendario si hubieran contando con la producción de Mick Jones, quien mucho tuvo que ver con el mejor sonido de The Libertines.

Se que he abundando en referencias a los libertinos, pero en verdad es casi imposible sacar este disco del universo de esa banda. 

Por mucho tiempo he considerado a Bang, bang, you´re dead como la mejor canción del disco, pero al estar escuchandolo una vez más me ha convencido de ultimo momento la genial guitarra de Doctors & dealers. 

24. Little Jesus - Norte

Este es uno de esos discos que llegas a detestar antes de la primer escucha, claro que sin responsabilidad de la banda o de sus canciones, lo haces porque diversos sitios web les han dedicado demasiados y desmedidos elogios, incluso señalándolos entre los mejores discos del mundo en el último año.

Si bien es cierto que en esto de la música existen grandes revelaciones, es también cierto que estas no ocurren tan a menudo, lamentablemente la crítica musical en nuestro país ha venido repitiendo el mismo proceder de NME la cual encuentra a la mejor banda de la historia del rock cada 3 meses.

En el caso de Little Jesus me parece que todos esos elogios solo son un estorbo para poder escucharlos, va uno cargado de tantos adjetivos positivos que al abordarlos por primera vez se instala uno en una actitud hipercrítica, la cual obviamente encuentra más limitaciones que aciertos, aunque hay que ser justos y admitir que las limitaciones provienen más de quienes los promueven que de los músicos.

Al disco tuve que darle varias escuchas para poder dejar atrás tanto halago y empezar a disfrutar un conjunto de rolas que en verdad son sobresalientes, construidas sobre ritmos de influencia africana al más puro estilo de Vampire Weekend, acompañadas de guitarras que se mueven melódicamente bajo la misma influencia y rematadas con una voz justa para las canciones aunque muy similar a la horneada de bandas hipster que rondan por todo el mundo.

Little Jesus es una banda con un buen sonido, que tiene un disco bastante equilibrado, con un sonido demasiado apegado a las tendencias actuales, pero que está desarrollado con gran certeza de lo que buscan, lo peor que le puede pasar a esta banda es lo que le hacen sus apologistas, si dejan de lado tanto hype podrán seguir haciendo grandes canciones y podremos contar con un proyecto con gran presente y mucho mejor futuro.

Este es un disco que hay que escuchar, que se disfruta completo, que se movió mucho en todo el 2013 y que seguirá rondando la escena indie, aquí no  hay ningún mesías, solo está un pequeño Jesús que trae a cuestas unas muy buenas rolas.

Mi canción favorita es Azul por su constante subida sonora. 

23. Tortoise - Beacons of Ancestorship

Hace unos días leía en la revista Gatopardo un reportaje sobre los Babasónicos, tengo que admitir que es una banda que está lejos de gustarme, no es que los considere malos, lo que me pasa al escuchar sus discos es que simplemente no me emocionan, pero lo que más me llamó la atención fue que arrancaba diciendo que esa banda tenía 21 años a la vanguardia.

Lo primero que pensé es que de tanto usarse la palabra vanguardia ha perdido su sentido original, ahora se utiliza como un adjetivo para hablar bien de una banda sin dimensionar lo que podría representar el nombrarla bajo esa categoría.

No soy un experto en vanguardias musicales, pero si de rock se trata, una de las bandas que ha buscado expandir los espacios creativos del genero es Tortoise, un grupo constituido en Chicago nutrido por la experiencia de sus integrantes en bandas de indies y punk y que han buscado en cada uno de sus discos  explorar nuevas estructuras sonoras.

En los discos de Tortoise no solo nos encontramos con grandes instrumentalistas que dominan de gran forma los cánones del rock, sino que ese talento lo utilizan para buscar nuevas formas músicales, dejando de lado las estructuras tradicionales del formato de las canciones, experimentando con nuevas formas.

Esta búsqueda creativa ha sido desarrollada a lo largo de una serie de discos que pueden agruparse tanto en el Post-Rock como en el Math-Rock, ya que rompen con el formato tradicional trabajando con estructuras rítmicas novedosas.

Ahora si que este disco es indicado para quienes gusten de la experimentación, no encontraran aquí canciones tradicionales, incluso resulta difícil darle ese nombre a algunos cortes, ya que parecen más sesiones de improvisación,  ahora si que es recomendable solo para los dispuestos a las búsquedas sonoras, para los interesados en lo vanguardista, al menos en lo que a rock se refiere. 

El disco fue editado en 2009 por Thrill Jockey Records.

Mi track favorito es Northern Something. 

22. El mató a un policía motorizado - La Dinastía Scorpio

Más de una sorpresa te puedes llevar con esta banda, en primer lugar te topas con un nombre que no da muchas pistas sobre su origen ni sobre su sonido, cuando ya estas en la escucha de sus canciones llegas a experimentar una confusión, ya que su música los podría delatar como una banda española influenciada por los Planetas, solo que el acento de la voz te dirige hacia el sur.

Estos argentinos despistan un poco pero conforme los escuchas vas identificando una banda con un sonido contundente, producto de un pop noise bastante efectivo, el cual sin muchos aspavientos concreta una precisión atmosférica ideal para destilar un poco de añoranza auditiva pero con una búsqueda lanzada al frente, retomando trucos de bandas ya muy conocidas pero construyendo un sonido autentico. 

Este tipo de bandas le da un respiro al rock hecho en argentina, al menos al que nos llega a México de manera constante a la cartelera de conciertos, ya que escapa al estilo que ha ido transformándose en clichés. Si bien no son un grupo vanguardista, si retoman propuestas estéticas no tan dominantes en la escena. 

En este disco nos vamos a encontrar con guitarras distorsionadas al estilo noise, con un volumen un tanto bajo que le dan mas sentido de atmósfera que de liderazgo en la melodía, sustentadas en una base rítmica que no por discreta deja de ser solida. Como ya lo había mencionado la referencia básica es con el sonido de los planetas, pero en ocasiones siento una similitud con el sonido de Palma Violets, solo que tocado con menos fuerza, un poco más pop, pero transmitiendo sensaciones similares.

El disco fue editado en 2012, producido por Eduardo Bergallo. 

Les recomiendo darle una buena escucha al track Nuevos discos que va en lo mejor de su sonido noise.

21. Reverend Horton Heat - Rev

El Reverendo esta oficiando de nuevo y lo hace a lo grande, a toda velocidad montando en un hot road, acelerando a fondo, con el estruendo del motor taladrando los oídos de quien se acerca a escuchar su predica, incrustando su homilía en lo más profundo de tu psique, haciendo que dejes de pensar y comiences a brincar.

Este es un disco solo para iniciados en la religión de psychobilly, se que a muchos puede sonarles muy básico, pero justo eso es lo que le da un gran valor a este disco ya que la banda de Jim Heath se ha mantenido a lo largo de su carrera apegado a los sonidos primarios del rock, combinados con gran maestría, visitando desde el country, el punk, el swing y todo lo que pueda caber en la mente de este guitarrista texano.

Son ya más de 25 años los que esta banda tiene de grabar grandes discos, teniendo sus altibajos pero siempre entregando grandes canciones; por fortuna con este más reciente disco nos encontramos con la banda bien aceitada y marchando como un gran clásico, dejando de lado el apego a su sonido más country que habían cultivado en sus últimos discos, ahora retoman su sonido más rockero y acelerado.

La temática y estética visual del disco es ya conocida, pero los mejores aportes están a cargo de una batería que toca mejor que nunca Scott Chirulla, acercándose en la ejecución a la gran forma de tocar la guitarra de Heath, ya que en momentos la percusión no solo sirve como base rítmica de las canciones sino que adquiere un gran protagonismo en el sonido general. 

El disco fue editado por Victory Records, salió a la venta este 21 de enero de 2014 y fue producido por la propia banda.

Hay varias canciones que podrían ser la mejor, pero por lo pronto me quedo con "Let me teach you how to eat" que es muy buena, pero que he elegido por el vídeo que la acompaña, el cual esta lleno de pin ups y buen rock and roll.

20. John Grant - Pale Green Ghosts

Uno de los elementos más gastados y recurridos para descalificar a la "electrónica" es que sus creaciones resultan impersonales, que adquieren un sentido robótico, lo cual puede ser cierto pero solo para los músicos incapaces de transmitir emociones, que los hay por montones en todos los géneros. 

Podríamos darle una buena repasada a discos de dance que están cargados de emotividad, pero haré un poco de trampa y mejor saco un as bajo la manga, el ejemplo más evidente de un trabajo personal, que refleja todas las sensaciones, incertidumbres, problemas y actitud vital de un autor.

En este disco John Grant continúa volcando todos los sucesos internos de su vida (los conflictos por su preferencia sexual, su condición como seropositivo, sus excesos con el alcohol y las drogas), construyendo un entramado música personal, intenso, pero sobre todo cargado de las sensaciones que ha vivido y que transmite con gran eficacia a su música.

El estilo intimo de Grant ya se había manifestado desde sus trabajos con The Czars pero se consolidó con su primer disco en solitario "Queen of Denmark" el cual estaba trabajado con un estilo más folk con grandes arreglos, los cuales ahora adquieren un gran giro al utilizar el genio creativo de Biggi Veira de los maravillosos Gus Gus logrando darle un espacio más amplio a sus creaciones musicales.

Esa combinación creativa, utilizando la maestría melódica y atmosférica de los sintetizadores de Veira permiten a Grant volcar todo su universo con la seguridad de que el acompañamiento musical mantendrá el mismo sentimiento.

Este es un gran disco que demuestra la capacidad expresiva de lo sintetizadores siempre que acompañen a un artista capaz de transmitir. 

El disco fue editado en 2013 por Bella Union y fue producido por el propio Grant.  

La mejor canción es la que le da nombre al disco.

19. Dinosaur Jr - Farm

El regreso de una banda a su formación original, después de que sus integrantes han emprendido proyectos más que exitosos, incluso algunos de ellos manteniendo el nombre del grupo resulta ser una puesta peligrosa, ya que las expectativas suelen acumularse y en muchas ocasiones quedan a deber ya que los intereses creativos se diversifican alejándolos de su sonido primario el cual la mayoría de seguidores espera.

Este disco es uno de los casos donde se confirma que la apuesta vale la pena, ya que con la reunión de Mascis, Barlow y Murph se reencuentra una potencia creadora que retoma el sonido original pero le suma un nuevo empuje creativo el cual  lleva a nuevos terrenos sónicos a la banda.

Farm es un disco que tiene lo mejor de Dinosaur Jr, las guitarras tienen ese sonido intimo, con esas marcas intensas de añoranza, pero eso si, tocadas con gran fuerza y con el amplificador con todos los niveles al máximo, lo que les permite sonar cercanos y al mismo tiempo completamente intensos. 

De las cosas que más me gustan de esta banda es que logran incorporar esa gran capacidad melódica que tienen el pop combinado con unas guitarras a las cuales se les distorsiona con toda la ganancia posible a fin de hacerlas sonar crudas, sucias, que pareciera que fueran a reventar en cada solo.  

En este disco no solo atestiguamos el sonido de una banda que compone el selecto grupo que le dio origen al sonido y presencia del rock alternativo e indie, sino que se da una muestra del mejor rock tocado con fuerza, sin miedo a la construcción de melodías pegadizas, es como encontrarte con un rock & roll tocado con guitarras fundidas al estilo de Neil Young. 

El disco se edito en 2009 por Jagjaguwar y fue producido por Mascis,

Mi canción favorita es I Don´t wanna go there, la cual se avienta más de ocho minutos del mejor sonido Dinosauresco. 

18. Dj Shadow - Endtroducing

Tengo que advertírtelo, si no tienes este disco estas cometiendo un gran, gran error, deja de leer, ve a comprarlo, descárgalo, escúchalo en la red, no te quedes leyendo esto, de verdad, después de hacerlo regresa y compartamos opiniones.

Bien, ahora si, tengo que decirte que este primer disco de Dj Shadow es una joya de la música popular del siglo XX, lleno de imaginación y creatividad, que demuestra que el verdadero artista utilizará cualquier técnica para producir algo extraordinario. 

Dj Sahdow es Josh Davis, un gran músico californiano que dio inicio a su carrera dentro del hip hop experimental, que en este disco lleva a su máxima expresión el uso de samplers, ya que prácticamente todo el disco esta creado en base a sonidos preexistentes, retomados de canciones de jazz, soul, rock, electrónica y cuantos géneros puedas imaginarte. 

Con este disco se da el primer gran golpe de un fenómeno que se ha vuelto ya común, el de los productores virtuosos que trabajan encerrados en su cuarto llevando a nuevos terrenos  a la creación musical.

Este disco es aun más valioso porque le da sentido a la posición un tanto incomprendida, para bien y para mal de los dj´s, descalificados en ocasiones por los músicos tradicionales e incluso por los productores de los géneros "electrónicos", pero aquí está una muestra del poder creativo de quien domina las tornamesas, las mezclas, los cortes, la capacidad de crear algo totalmente nuevo a partir del trabajo de otros es un verdadero arte, ejecutado con gran maestría en esta producción.

A partir de este genial trabajo la carrera de Dj Shadow ha dado grandes muestras de talento, baste recordar sus participaciones con el super grupo UNKLE, dándole a todo lo que toca el sonido profundo e intenso que le caracteriza. 

El disco fue editado por Mo Wax en 1996 y a pesar de ello no se le nota el paso del tiempo, fue producido por el mismo Dj Shadow. 

Todos los cortes del disco tiene una gran fuerza, pero mi favorito por la maravillosa forma de samplear unas percusiones con tanta fuerza es la de Building steam with a grain of salt. 

17. Cat Power - The Greatest

"Learning more and more about less and less and less"

Cat Power

Gran, gran disco. Chan Marshall da lecciones de rock, reúne una magnifica colección de canciones llenas de emotividad, tocadas con una sensibilidad muy especial, que transmite no solo lo que las letras dicen, sino que con cada acorde dejan ver el mundo interior de esta gran cantante, mostrándonos lo profundo e intenso que es su universo personal.

Para mi gusto este es el disco mas logrado de Cat Power porque cada canción fue grabada con la tranquilidad que da la seguridad de dominar el terreno que se pisa, lo que permite dotar a cada corte de una intensidad que no esta basada en ninguna estridencia, lo que permite decubrir en cada canción una gran marejada de vida que se desborda a través de los amplificadores para llegar a tocar a cada uno de los oyentes.

Un gran acierto en The Greatest es la banda con la cual se grabó el disco, todos músicos veteranos de la escena soul y blues, los cuales logran darle un acompañamiento perfecto, que sabe encajar cada sonido en el lugar exacto, que le otorga una cadencia adecuada para que cada canción corra a su ritmo, dejando que Masharll pueda concentrarse en hacer sonar su voz, en transmitir toda la fuerza de su trabajo.

Si bien la búsqueda sonora de Cat Power a buscado otros terrenos en sus discos posteriores, manteniendo un buen nivel, no ha vuelto a a llegar a la altura que logro descubrir en este disco, a mi parecer si alguien quiere conocer el trabajo de esta cantante debe dedicarle una buena escucha a este disco, ya que tiene el extra de que con cada vez que se visita se le puede descubrir mayores atributos.

Aquí nos vamos a encontrar con una colección de canciones que tienen claras influencias de country, soul y un tanto de blues, pero que en todo momento suenan a un rock intimo e intenso.

El disco fue editado en 2006 por Matador records, en México fue distribuido por Noiselab y fue grabado y mezclado por Stuart Sikes.

Mi canción favorita es Love & comunicatión la cual tiene una interpretación brutalmente hermosa por parte de Marshall además de una muy poderosa guitarra.

16. Ty Segall Band - Slaughterhouse

En los últimos años Ty Segall se ha convertido en uno de los músicos a los cuales no puedes perderles la vista, saca discos en solitario, con un montón de bandas, abordando incontables estilos, teniendo como constate la gran calidad en todas sus producciones.

En sus discos puedes encontrarte con Garage, Metal, Sicodelia, Noise, Lo-fi, incluso hasta algo parecido al Folk, todo esto llevado más allá de los cánones tradicionales, utilizando los elementos de estos para construir una visión personal donde no se contenta con utilizar lo ya hecho, sino que siempre busca darle un giro novedoso a sonidos que ya conocemos pero reinventandolos.

Segall ha grabado en solitario, con bandas como Epsilons, Party Fowl, Sic Alps, The Perverts, White Fence y obviamente con Ty Segall Band, ademas de multiples proyectos de colaboración, y eso que aún no rebasa lo 30 años.

Pero lo más importante no es solo la cantidad de grabaciones, sino el aporte musical que hace en cada una de ellas. En el caso concreto de este disco no encontramos con un conjunto de rolas que retoman el sonido Fuzz tan característico del Garage, utilizando esas guitarras con la suciedad y consistencia del punk pero integrando todos los elementos de manera que las canciones no se queden en ese terreno sino que se impulsan a espacio más amplios, teniendo ciertas influencias del metal se construyen canciones un tanto más épicas.

Encontrar las palabras precisas para describir el sonido de este disco es algo bastante complicado porque al romper los limites de los géneros que ya conocemos lo lleva a nuevos territorios que son un verdadero disfrute auditivo.

Este es un disco que puede gustarle a cualquiera, pero que los amantes de la distorsión guitarrera van a disfrutar al máximo, y no hablo de esas distorsión mal entendida por los grupos de metal, sino de aquella que logra el sonido de guitarras que pueden reventar cualquier amplificador para acabar sonando mejor.

Con en un verdadero matadero, aquí la estética es salvaje, nada impostado, todo autentico y salido de las tripas, con voces rasposas y distorsionadas, aquí vas a encontrar ruido, pero no de ese ruido trabajado después de un reflexión intelectual al estilo Sonic Youth, no, aquí la cosa es más cruda e inmediata, como buen ejemplo de esto es que el disco arranca con la rola Death que inicia con un minuto de distorsión intensa antes de cualquier acorde y cierra con un corte de más de diez minutos llamado Fuzz War, que con su nombre lo explica todo, un tema libre, de improvisación, que rinde tributo al Fuzz más puro, guitarras que suenan como camión de basura, percusiones que avanzan erráticas, estructuras rotas, un verdadero himno al sonido denso.

El disco es del 2012, fue editado por In the Red Records y grabado y mezclado por Chris Woodhouse.

La canción del disco que mas me gusta es Diddy Wah Diddy, que tiene un gran toque bailable al estilo del primer rock & roll pero recargada de una suciedad distorsionada genial.

15. Them Crooked Vultures - Them Crooked Vultures

Uno de los lugares comunes más desgastados en el rock es el de las super bandas, ya que se le da esa calificación a cualquier proyecto que reúne a algunos músicos destacados, pero la verdad es que no muchas de ellas logran producir discos memorables,  la reunión de varios exponentes con gran talento no garantizan la mejor de las producciones, ya que el tamaño de los egos, las diversas visiones creativas e incluso los intereses financieros llegan a enfrentarse, teniendo como resultado el que no se den con frecuencias canciones memorables, siendo lo más destacado la reunión misma de los músicos.

Con Them Crooked Vultures, pasa todo lo contrario, con un grupo de ensueño se da un disco que cumple con cualquier expectativa que pudiera generarse con respecto a los blasones rockeros de sus integrantes.

Para cualquiera podría resultar casi imposible juntar a integrantes de las legendarias bandas Led Zeppelin y Nirvana con uno de los líderes de las bandas mas destacadas del momento como lo son Queens of the stone age.

Las colaboraciones de Josh Homme con Dave Grohl ya eran habituales al ponerse de nuevo ante la bateria el ex integrante de Nirvana para grabar y realizar giras con QOTSA, pero el incluir a John Paul Jones en la integración de la banda terminó por concretar un proyecto con la capacidad de hacer música con toda la fuerza que pueda contener el rock.

Lo que en este disco encontramos es a tres grandes músicos, sumando sus talentos, haciendo lo que mejor saben hacer, como si fueran tres amigos reunidos en una cochera divirtiéndose con la música, solo que con el colmillo más retorcido que se pueda tener, cargando con toda la experiencia que te da haber tocado en dos de las bandas más importantes de la historia del rock o ser una estelar del momento.

Así que nos topamos con 13 canciones llenas de energía que es perfectamente conducida, dosificada en los momentos precisos para hacerte pasar una gran experiencia al escuchar el disco completo, porque este es uno de esos que no te deja adelantarle a una canción o escucharlo por partes, eso seria un error, te perderías de algo genial si te atreves a hacerlo. 

En el disco hay excelentes cortes, que se ven hechos sin presión, grabados por el gusto a la música misma, nos topamos con la gran forma de tocar la batería de Grohl, que ha resultado multifacético, pero que toca su instrumento original como muy pocos, para mi gusto es uno de los mejores bateristas de rock de todos los tiempos, la sección rítmica queda perfectamente acoplada con la gran forma de tocar el bajo de John Paul Jones, dejando todo para que las guitarras de Homme suenen mejor que nunca.

El disco es de 2009, fue producido por ellos mismos y distribuido por DGC / Interscope.

Mi rola favorita es la que abre el disco: No one loves me & I Neither do I, la cual tiene unas increíbles y aguerridas guitarras, un bajo que no tengo la menor idea de como lo hacen sonar así y una batería tocada con gran maestría y precisión.

14. Matt & Kim - Lightning

Tengo que aceptar que cuando estaba descubriendo mis gustos musicales fui presa de algunos estereotipos que la industria le encaja a la música para poder venderla, de repente en el paso de la infancia a la adolescencia me gustaban algunas bandas de heavy metal, con el tiempo me quedo claro que me atraía más la envoltura que se le ponía a la música que las canciones en si mismas.

La idea de que el rock, o todo lo que se agrupa en esa etiqueta tenía una actitud determinada, en donde el empaque acartonado de rebeldía era lo más importante pude irlo dejando en el camino, ahora creo que me gustan las canciones por si mismas, sin importar todo el entorno, bueno, no siempre pero si la mayor parte del tiempo.

El dejar de preocuparme por la actitud me dio la oportunidad de disfrutar de discos como este, en donde el pop se reviste con un poco de velocidad punketera y decorado con los trucos que el dance le ha enseñado al rock, todo para demostrar que en cualquier lado, incluso en bandas que pueden agruparse en el segmento de ligeros o fresas pueden darnos grandes momentos musicales. 

En lo particular he disfrutado mucho de los grupos que han retomado elementos del dance y no me refiero solo a las posibilidades que otorgan los sintetizadores, sino a que han enriquecido a rock con algo que en su origen era un aliado natural: el baile.

Con Matt y Kim el ejemplo es claro, canciones dotadas de un beat intenso y bailador, en ocasiones tocado a una deliciosa gran velocidad, lo cual permite que los sintetizadores construyan melodías para brincar y bailar como loco. No todo sin temas bailadores, tienen también cortes de un pop sencillo, directo y perfecto para manejar en un soleado domingo con las calles sin trafico.

Este disco es el cuarto de la banda, fue editado por Fader Label en 2012 y producido por ellos mismos.

Mi canción favorita es "Overexposed", la cual es la muestra perfecta de ese pop punketero dance, aunque supongo que mucho tiene que ver en esa elección la forma tan maravillosa en que Kim baila con toda la intensidad posible en el vídeo.

13. Sons and Daughters - The Repulsion Box

Una de las cosas más detestables de la industria discográfica es que muchas veces promociona bandas en función de su capacidad para venderlas, en esa dinámica podemos encontrar grandes discos pero lamentablemente la mayoría de las producciones son desechables después de la primer escucha.

Para los verdaderos melómanos el reto consiste en poder encontrar esas joyas perdidas entre tanto disco intrascendente, para lo cual es necesario dedicación, un oído trabajado y por supuesto que como en todo un poco de buena suerte.

En el caso de este disco tengo que aceptar que llego a mi por más suerte que decisión, lo encontré en las rebajas de una de esas grandes tiendas de discos, a un precio que era prácticamente un regalo, pero al final era uno entre tantos más, decidí llevarlo a casa porque su portada me gusto y por ser un disco editado por Domino Records (casa de Arctic Monkeys, Franz Ferdinand, The Kills, etc.), lo cual fue suficiente para darle una oportunidad.

Hasta ese momento nunca había escuchado a "Sons and Daughters", pero al hacerlo, los primeros segundos del disco fueron suficiente para saber que había encontrado una joya en medio del mar de música innecesaria; recuerdo perfectamente la conmoción que me genero escuchar un bombo tocado con toda la potencia posible, que a lo largo de la canción se mantuvo con la base de la misma y prácticamente unica percusión, sin mayor variación, dando una intensidad irrepetible sobre la que las guitarras y las voces clamaban por una medicina que para el escucha era entregada en grandes porciones sónicas.

Después de ese derroche de energía se vienen una serie de canciones que dan un repaso al mejor rockabilly con un aguerrido sentimiento punk, todos esto enmarcado en un estilo post-punk con influencias celtas, pero ojo sin sonar a una de esas espantosamente aburridas bandas "celtas".

En este disco hay suficiente rabia para darle energía al peor de tus días, con un estupendo manejo de las voces femeninas y masculinas utilizadas con gran maestría, ademas de unas percusiones siempre al limite para darle un poderoso sustento a una guitarras rudas pero precisas.

Ya pasado el impacto de la primer escucha me pude enterar que dos de los integrantes procedían de la banda "Arab Strap" lo que le dio sentido a que en un disco debut una banda demostrara esa gran sabiduría para el sonido aguerrido, sin perder esa capacidad para generar canciones que no solo transmiten furia sino que están tan bien construidas que no dejas de tenerlas en la cabeza por mucho tiempo después de escucharlas. 

El disco fue editado en 2005 por Domino Records y producido por Victor Van Vugt.

La mejor canción del disco es Medicine, la que abre el disco, track de gran contundencia, aunque no pueden dejar de darle una buena escuchada a Hunt, la cual arranca con una distorsión de ensueño para luego seguirse con un muy sabroso corte punketero. 

12. Modest Mouse - Good news for people who love bad news

Cada vez que escucho este disco pienso que es mi favorito. Después viene la reflexión y ya no puedo asegurarlo, se agolpan en mi cabeza los sonidos de demasiados discos que merecen esa posición y de plano el "Good news..." deja de estar en mi mente. 

Aun cuando pierda su posición es necesario reconocer que este es un gran disco, que desde el nombre está lleno de aciertos, en el cual contienen un conjunto de grandes canciones, trabajadas con instrumentos que van más allá de los tradicionales del rock, por ejemplo nos encontramos con un melotron, un ukulele o un acordeón. 

Pero no solo la instrumentación es trabajada de manera  soberbia, sino que las letras tienen también una cuidada construcción, logrando en la conjunción piezas de gran manifactura, en las cuales se logran colar las diversas influencias que de gran manera conjunta el líder de la banda Isaac Brock, así nos podemos encontrar con momentos que nos remiten a los Talking Heads, pasando por los Pixies o incluso los Flaming lips, quienes los acompañan en el corte  "The good times are killing me" en los cuales se habla sobre el abuso de las sustancias por parte de Borck

El disco fue editado en 2004 por Epic Records, producido por Dennis Herring quien ha trabajado con The Hives, Elvis Costello, Ra Ra Riot, y algunas otras bandas.

La mejor canción del disco es "Float on" en la cual siento un marcado estilo de cantar a lo Franck Black que junto con unos instrumentos sonando a toda potencia hacen de este un corte imprescindible.

11. The Shins - Oh inverted world.

Este es uno de esos primeros discos que cualquier banda quisiera tener, cargado de un sonido novedosos, con canciones contundentes, que logra mantener un solida unidad estética en todo el disco, bien recibido por la crítica y que logra introducirlos con credenciales positivas en una escena repleta de bandas.

Esta producción logra un sonido indie pop que no tiene miedo en proponer canciones que puedan calificarse de hermosas sin que ello implique una rebuscamiento intelectual o poses de incomprensión.

Los Shins son una banda de Nuevo México que ha crecido sin dar el salto a ser una banda mainstream pero tampoco se han quedado en el submundo de las bandas desconocidas, tiene una buena presencia construido a base de buenos discos  y al final eso es lo único importante.

En las canciones de este disco no hay prisa por decir las cosas, sino que con una aparente sencillez se van sumando sonidos que hacen canciones que en una escucha ligera pudiera parecer demasiados elementales, pero si se les pone atención uno se da cuenta que en esa sencillez se encuentran una gran carga emotiva y canciones de gran factura perfectamente construidas.

De repente en este disco siento una similitud con el trabajo de Belle and Sebastian, aunque con su propio toque el cual se ha mantenido en sus discos posteriores.

El disco es de 2001, fue editado por SubPop y producido por le vocalista de la banda James Mercer.

La mejor canción del disco es "Caring is creepy" con la cual abre el disco, aunque a lo largo del mismo se encuentran otras muy buenas como "Girl Inform me" y "New Slang".

10. Jake Bugg - Shangri La

"This place is not for me

i say it all the time

my friends they just ignore me

tell me never mind

waiting all your life

on a slumville  sunrise"

Jake Bugg -  Slumville sunrise

Esta es una de esas recomendaciones que se me vinieron a la mente desde la primer publicación en el blog, pero la deje pasar porque de repente es un cantante del cual ya se ha hablado por todos lados, un disco que han recomendado escuchar hasta en los medios ajenos a la música, por lo que seguramente la mayoría ya le ha dado una vuelta y por lo tanto resulta un poco innecesario el recomendarlo.

Pero desde muy temprano con varios de mis amigos ha sido tema a platicar y escuchar, por lo que después de escuchar varias de las rolas del disco me resulta inevitable el hablar del segundo disco de Jake Buug, el cual desde la primera vez que lo escuche me emociono tal como lo hacen esos discos que sientes que esperabas sin conocer, que te resultan conocidos a pesar de ser totalmente nuevos, que desde la primer escucha te resultan familiares, te resultan tuyos.

Si bien es cierto que se puede hacer una larga lista de influencias claramente identificables, es necesario también reconocer que todas se suman para lograr un sonido que se siente honesto, que no suena a una suma de plagios, sino al bagaje de un escucha atento a los sonidos que rondan por su realidad. Una de las cosas divertidas de escuchar a Bugg con otras personas es ver como cada uno reconoce alguna influencia que en cuanto la comentan te resulta evidente, puede ser que canta como Lenon, que suena a los Beatles, que se parece a Dylan, que tiene guitarras a lo Cash, que suena muy ingles, que parece country, y así sigue la suma interminable.

El trabajo de Bugg me emociona porque logra que las canciones las puedas disfrutar desde la primer escucha, pero sobre todo porque no pierde fuerza a través de la repetición, ya que con cada vez que la pongo logro encontrar mayores detalles que son sencillos aciertos, pero que son una constante a lo largo de cada canción, lo que las hace unas verdaderas joyas.

En este disco no se trata de encontrar experimentos novedosos, de búsquedas de lo aun no tocado, para nada, aquí lo que hay son canciones bien armadas, que tienen lo que deben tener, con la fuerza pop necesaria para hacerlas pegadizas, pero con la fuerza de reflejar una realidad aún no absorbida por el estrellato, lo que las hace personales y propias no solo del autor sino de cada uno de los escuchas.

Las canciones tienen mucho de emocional pero sin esa urgencia desbocada que puede dar la inexperiencia, en este disco pareciera que Bugg tiene demasiados años haciendo canciones, al final lo que cuenta es que tiene mucha vida en él para poder volcarla en cada canción.

El disco fue editado en 2013 por Mercury Records, y fue producido por Rick Rubin lo que en un primer momento me preocupo por su tendencia a sobreproducir todo lo que toca, pero afortunadamente sale bien librado el disco.

En cuanto a la mejor canción con este disco parece misión imposible, así que les sugiero escuchar todo el disco que arranca con canciones marcadas por la guitarra eléctrica y la potencia de la banda para luego ceder el espacio a las guitarras acústicas y sonidos mas folk, aunque a lo largo del mismo pueden encontrarse canciones con ambas influencias.

Igual no dejen de darle una vuelta al vídeo de Slumville sunrise, el cual marca aun más su condición inglesa al tener unas persecuciones al estilo Benny Hill. 

9. Black Rebel Motorcycle Club - Baby 81

Cuando estaba a punto de escribir esta nota había pensado en hacerla sobre otro disco de esta banda originada en California: "Specter at the feast", sin embargo después de escucharlo una vez más me di cuenta que es muy inferior en calidad al Baby 81, de repente tuve claro que ese disco es el que más veces he escuchado de la banda, si bien no de corrido, si al que recurro sin falta para escuchar alguna de sus canciones, revisé mis playlist y me di cuenta que casi siempre incluyo algún track de ahí.

Para mi gusto esta es una de las bandas que logran mantener de mejor manera la calidad en todas sus producciones, a pesar de realizar giros importantes en su estilo, siempre logran conectar con quien los escucha y además mantienen una línea estética, siempre que los escuchas, ya sea en su versión más guitarrera o incluso con influencias de las bandas britanicas o incluso folk sabes que son ellos ya que imprimen su estilo particular en cada uno de sus discos.

El "Baby 81" es la cuarta de sus producciones y marcó el regreso momentáneo de Nico Jago a la batería, lo que les permitió sonar perfectamente acoplados y con una gran solidez, lo que también les deja soltar sus sonidos más crudos, con guitarras más rudas y un sonido rasposo que resiste cualquier prueba.

El disco fue editado en 2007 por Red Ink Records y fue producido en por Michael Been, padre de uno de los integrantes de la banda, quien fue en su momento considerado como el cuarto integrante del grupo ya que compuso algunas de las canciones, ademas de tocar la guitarra en algunas de sus giras y quien murió en el camerino de la banda mientras se presentaban en un festival. 

En cuanto a la mejor canción la verdad no hay duda para mi: "Berlin", es una de mis favoritas no solo de la banda sino en general, aunque tampoco pueden dejar de escuchar "Weapon of choice" y "Need somo air", las cuales tienen un punch automático que te hace desear escucharlas de nuevo en cuanto terminan.

8. The Warlocks - Skull Workship

Este disco no es para todo mundo, ahora si que es para los clavados en la mezcla de estilos que hacen The Warlocks, eso si con una manufactura de gran calidad, se nota trabajado de manera fina, aquí se puede encontrar de manera concreta el universo creativo de Bobby Hecksher, el cual busco en sus cinco anteriores discos.

Para no variar en este trabajo los Warlocks sufren cambios importantes en su alineación, son casi una veintena de músicos los que han acompañado a Hecksher en su búsqueda sonora; afortunadamente en este disco cuenta con los cómplices necesarios para hacer un disco contundente, que si bien se deja ir en paisajes auditivos logra mantener la atención debido a su belleza.

En el disco podemos encontrar sonidos sicodélicos, un poco de drone y hasta un tanto de shoegaze, pero lo mejor es que es muy bien conjuntado para crear atmósferas densas que con unas guitarras ejecutadas de manera pausada, con tranquilidad van construyendo canciones profundas y de gran intensidad.

Una de las cosas que mas me gusta del disco es como el bajo y la batería van generando un ritmo tranquilo, repetitivo, hipnótico, que luego es apuntalado por el fuzz de la guitarra, generando un eco interminable de sonidos, que son traídos de nuevo al frente por la distorsión de una guitarra precisa.

El disco fue editado en el 2013 por Zap Banana y es producido por Rod Cervera.

En cuanto a las mejores canciones es imposible resistirse a la intensidad de Dead Generation, con la cual abre el disco; también es de resaltar You´ve changed que va a ritmo pausado, pero en sus seis minutos tiene el tiempo suficiente para grandes atmósferas y maravillosas distorsiones guitarreras, aunque tampoco se puede dejar pasar la que cierra el disco: Eyes jam, la cual de plano se deja ir en un viaje repetitivo y profundo,.

7. The Raconteurs - The Ryman Auditorium

Más de una discusión he mantenido con algunos amantes de la "electrónica" (aclarando que también lo soy) sobre la salud que guarda el rock, sin abundar en los argumentos basta decir que solo hay que poner a sonar este disco para acabar con cualquier disputa, mientras existan grupos que con esa potencia aborden el genero no hay por que preocuparse.

Por lo general no soy aficionado de los discos grabados en presentaciones, quedan a medio camino de la experiencia de presenciar un concierto y  también de los cuidados que permite una grabación en estudio, pero en este caso el sonido, la fuerza, la maestría para acometer las rolas hacen de este disco un material necesario para cualquiera.

Este proyecto es uno de los múltiples grupos en los que participa Jack White, en este caso lo hace combinando de manera eficiente voz, guitarras y composiciones con Brendan Benson, además de dos integrantes de The Greenhornes, todos ellos habituales del universo de White, ya que en cada uno de sus proyectos graban en su disquera: Third Man Records.

En este disco nos encontramos con grandes versiones a rolas de sus dos discos de estudio, aportando un sonido más intenso, salvaje, con mayor contundencia, notándose en todo momento los elementos presentes en todos los proyecto de miembro de White Stripes.

Instrumentos tocados con puntual técnica pero sobresalientes sobre todo al momento de transmitir emociones, cada una de las canciones grabadas no tiene desperdicio, la grabación es de 2011 pero en verdad valía la pena que se pudieran hacer públicas.

El disco es editado en este 2014 por Third Man Records en una versión de doble acetato, una verdadera joya para coleccionistas, también esta disponible el DVD de la presentación.

Aquí no me voy a permitir elegir una mejor rola, el disco entero es una maravilla, por ejemplo tiene dos rolas: "The Switch and the Spur" y "Many shades of black" a las cuales le suman una maravillosa sección de alientos, o dos versiones extendidas de "Blue veins" y "Carolina Drama" las cuales duran más de 10 minutos cada una.

En resumen gran disco, muestra de excelente rock guitarrero e intenso. 

P.D. Además como no ser fan de un grupo con un nombre tan buen como "los narradores". 

6. Death cab for cutie - Codes and keys

"And when you feel like you´re a tourist

in the city you were born

then it´s time to go..."

Si tuviera que elegir una banda que represente el mejor sonido de rock indie "Death cab for cutie" estaría entre los finalistas. En este proyecto se encuentra desarrollada de manera elegante la temática y el sonido del rock posterior al 2000. 

Liderados por el gran Ben Gibbard, quien no solo tiene esta banda sino que ademas forma parte de "The Postal Service" y además es esposo de la guapísima Zooey Deschanel, esta banda ha ido madurando de ser un proyecto personal a ser una banda con amplio reconocimiento de la critica especializada, haciendo crecer disco a disco tanto su sonido como la base de seguidores y obviamente de ventas.

El desarrollo de la banda no les ha hecho perder el sonido independiente que les caracteriza, sino que han ido ganando solidez presentado canciones que aun cuando son accesibles presentan estructuras musicales bien construidas.

Una de las cosas que más me  gusta de esta banda es que a pesar de no ser un grupo guitarrero, cuentan con una guitarras que a ratos pueden ser repetitivamente hipnóticas, incluso melodicamente suaves pero en todo momento suenan poderosas y le dan un sonido claramente distinguible. 

El disco fue editado en 2011 por Atlantic y fue producido por el integrante del grupo Chris Walla quien como productor ha trabajado también con The Decembrist, Ra Ra Riot, Tegan and Sara y Hot Hot Heat.

En cuanto a los mejores cortes del disco podemos elegir dos, el primer sencillo que es "You are a tourist" que es un resumen genial del sonido pegadizo e intenso de la banda; aunque mi favorita es "Doors ulocked and open" la cual mantiene una batería y bajo repetitivos, que te atrapan y te tienen ya capturado para cuando la guitarra y los sintetizadores le dan vida a la melodía, de manera que no sabes cuanto tiempo tienes escuchado la canción y por supuesto poco te importa, solo deseas que no termine.

5. Sangre Asteka - Sangre Asteka

Este es uno de los discos menos reconocidos pero al mismo tiempo más importantes de la historia reciente del rock hecho en México, Sangre Asteka es el proyecto conformado formalmente por José Manuel Aguilera y Humberto Álvarez, el cual fue complementado por diversos instrumentalistas, sin embargo en esa dupla se concentro la composición musical y las letras de las canciones. 

En este disco nos encontramos con la primer muestra consolidada de los que seria el sonido determinante en los últimos años en la mayoría de las bandas mexicanas, las cuales de diversas manera buscaron una identidad propia, la cual es conseguida plenamente en este disco. 

Álvarez era en ese momento el músico más consolidado ya que contaba con la experiencia en varias bandas, siendo su proyecto más destacado el participar como tecladista en Casino Shangai, si ben Aguilera se consolidaría como uno de los grandes del rock en México en ese momento venia de bandas menores, sin embargo se puede identificar claramente su forma de tocar la guitarra  y sus estructuras y temáticas letristicas, además de que en este disco se puede reconocer el impulso primigenio del universo creativo de la Barranca.

Este disco fue editado en una sola ocasión lo que lo hace difícil de conseguir, sin embargo es una de esas joyas que valen la pena no solo por su propuesta de avanzada en su momento, sino porque sigue teniendo un valor musical muy importante, donde sobresale la forma tan precisa en que conviven el acordeón y la guitarra eléctrica, además de que establece un estilo de cantar en el rock mexicano en el cual aportan por igual Álvarez y Aguilera. Incluso algunos afortunados deben recordar una gran presentación de esta banda en la explanada de la Feria Internacional  del Libro de Guadalajara hace ya más de 20 años. 

El disco fue editado en 1990 por Lejos del Paraíso y producido por Bob Stark.

El conjunto de las canciones del disco merecen escucharse por igual, sin embargo tengo que elegir "Como se cura" como la mejor, en la cual tiene un gran papel el acordeón de Álvarez..